如今我们经常能看到，一些高级的艺术展览上，经常出现过一些“简单”的艺术。这些作品的画风很简单，就是随便一块颜色的拼贴，似乎是一个闭着眼睛都能完成的过程。然而确被奉为艺术佳品，这是为什么呢？

1.是我们对于艺术的认知停留在超凡的艺术技巧，而当代艺术以及逐渐摆脱了技巧。

2.我们对当代艺术的认识，仍然处于这些是舶来品的观念。

3.今天我们处于网络化信息传播社会，大多数人没有机会见到真品，只是通过网络看到的图像，真实作品的细节呈现和感受力是一张照片无法比拟的。

如果你生活在西方到处都是抽象艺术的环境当中，自然会肯定抽象艺术的价值，当我们的环境大多处于传统艺术环境当中，我们就很难认同抽象艺术，就好像是我们今天熟知梵高，我们自然会认为梵高的作品是好的，如果我们把梵高的星空和阿尔佛雷德西西里的作品放在一起也许大家就会觉得梵高的更好，实际他们在艺术历史上可能是拥有同样重要地位的艺术家，区别其实只是一个我们更熟悉一个我们相对比较陌生而已。

最重要的一点是我们会天然进入一个误区，艺术是为你而作。换句话说，艺术的产生是多样化的，对应的人群也是多样化的，不会被固定在全人类的基础之上，艺术和设计的区别恰恰就是源自于此。所以当我们看到无法理解的艺术的时候，我们产生质疑是一个很好的习惯，但是在质疑之后我们是否可以进行一定得研究？

了解艺术家的创作动机，形成年代，思考的问题，去真正的作品面前感受一下？如果这些都了解了仍然不感兴趣也没关系，毕竟每个时代思考的问题生活的处境艺术所关注的问题都不尽相同，所以我们自然不需要强迫去接受任何东西。就算是我们说的面向于大众的各类设计也无法满足于每个人的需求是一样的，当我们面对大众化的设计都可以理解多样性就像是我们买车同样的价位也会有自己的选择，那么为何在艺术上就要变的苛刻了呢？

色域艺术始于20世纪40年代末，几位艺术家试图寻找出一种现代的、神秘的艺术，色域绘画应运而生。他们试图把绘画定义在古代神话中的原始情感联系在一起，而不是现代文明所熟知符号本身，他们寻求一种新的风格能够在绘画中消除任何图像给观众带来的暗示。

这一点恰恰是想要脱离开的库宁式的抽象表现主义中那些复杂繁琐的线条和似是而非的表现内容。这种风格的作品往往比较大，由于我们很难用眼睛完全捕捉到画面的全部，当我们站在作品面前画作本身会形成一个空间。

这也是为什么在第一段提到的当我们面对真实的色域艺术作品与我们看待一张照片本质上是有去别的，当然另外一个角度，由于是上个世纪的作品，从我们逐渐适应网络化生活得角度来看，这样的作品显然不符合当代人观看艺术的方式。此外色域艺术的在那个年代的大行其道同样避免不聊艺术评论家格林伯格的推崇，对于推崇的原因我们理解为寻找艺术新的形式和出路也可以理解为艺术评论家同样需要不断的拓展自己的发现来进行理论研究的过程。

硬边画基本开始于色域艺术的中期，很大程度上第一个想要对波洛克所开创的行动艺术说拜拜，第二个同样是想要试图远离德库宁的表现主义绘画的后立体主义空间框架。转而采用了巴尼特纽曼所尝试的色域艺术，相同的是硬边画延续了对于作品尽量减少表达框架的可能性。

不同的是，硬边画不再尝试制作巨大的绘画，让人们感知到绘画内容为一个空间，转而进入到了其他的研究领域，比如肯奈兹诺兰将约瑟夫·阿尔伯斯(JosefAlbers)的“颜色相互作用”理论应用到他自己的作品中，探索对比色或补色之间的关系；用薄薄但不透明的层绘制，每个色调都显示出其独特的重量、密度和透明度。

作为尝试硬边画的一员，诺兰对从他的绘画中去掉所有的纹理、手势和情感内容很感兴趣。所以咱们今天看到的同心圆并不是靶子，他只是诺兰在早期的颜色实验。其实只要我们仔细观察身边，我们会发现上个世纪诺兰对于颜色的研究，今天可能出现在我们生活的方方面面，大家熟知的ins风装修，一块地毯，一个极简的图案，都受到了硬边画的影响。

细心的朋友会发现好像除了上面所说的一些“简单”的绘画，似乎还存在简单的雕塑，然而这些简单的雕塑其实就是我们熟知的极简主义，它起始于上个世纪60年代初期，也就是我们提到的色域艺术的后期，无论是唐纳德贾德，还是理查德塞拉都在尝试这延续着色域艺术，形成了实体化的极简主义表达。

看到这里大家也许会慢慢理解艺术的历史和人类其他的历史本质上没有区别，事物的产生都具有具体的动机和成因，以及产生对后续事物的影响，所我们看到一个让我们感觉到匪夷所思的艺术作品的时候，我们可以通过既有知识进行分析，其实最终无论这些作品是否出名或者值钱这些都无法决定你必须喜爱它。

因为艺术的标准是多样化的，恰恰是我们的生活被塑造成了单一化标准才会对于多样化的理解感受到越来越困难，难道这个不是我们今天应该思考的问题吗？来自两个城市不同年龄段的两个人的音乐歌单是一致的，这究竟是命运的巧合还是人为的牢笼呢？

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