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经营时间：
16年
展厅面积：
280平米
地区：
北京-通州-宋庄

想去(19) 去过(17)

文森特·威廉·梵高真迹原作油画

2024-01-10 12:02:30 作者:温钦画廊来源:www.o2oart.cn

梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，家里有六个孩子，两个弟弟提奥和柯尔，三个姐妹分别是伊丽莎白、安娜与维尔敏娜。

梵高还有一个哥哥，但是一出生就已经夭折，所以梵高出生的当天，就是哥哥的忌日。因此，梵高的母亲从小就对他极其冷漠。而他的名字也是以死去的哥哥的名字命名——文森特·威廉·梵高（荷兰语Vincent Willem van Gogh）。

6岁的时候被家人送入金德尔特公立学校上学，一年后梵高性格越发孤僻，只好辍学回家，由家庭教师指导学习，11岁时被母亲送到距家20英里外的荷兰泽文伯根的私立珍普洛维利寄宿学校就读，因为离家很远，梵高寄宿在一对儿中年夫妻的家中，不久再次辍学。

16岁时被伯父带进艺术品交易公司“古皮尔”的海牙分部见习。20岁时，他的工资一度比其父还高。梵高的弟妹曾说这是梵高一生中最快乐的时光。后来他爱上了房东太太的女儿，表白后遭拒，梵开始自我放逐，一年后被公司辞退。此后他还做过职员和商行经纪人，也当过矿区的传教士等。

1880年（27岁）开始产生画下周围的环境的念头，同年11月成为布鲁塞尔皇家美术学院的学生。在那里，他学习了解剖学和透视等基础绘画知识。后来爱上比梵高大七岁还带着八岁的儿子表姐。梵高向她求婚，以梵高贫穷而遭到拒绝和嘲笑。

1884年秋季，与比梵高年长十岁的邻居女儿玛戈特·贝格曼相恋，并决定结婚，但遭到双方家人反对。玛戈特企图以番木鳖碱（灭鼠药）自杀，但梵高紧急将她送到医院。1885年3月26日，梵高的父亲因死于心脏病去世，梵高精神世界遭到重创。

提奥

1886年，梵高到巴黎和弟弟提奥同住，在这里，梵高不仅得到了弟弟的精神帮助和物质帮助，还结识了一批印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。1887年11月与刚到巴黎的法国画家保罗·高更结识。

高更

在巴黎呆了两年后，梵高离开弟弟，于1888年2月来到了法国南部的阿尔勒，这个阶段是他的创作高峰期。10月23日，保罗·高更来与他同住，但二人因生活琐事和一些绘画上的立场问题经常争吵。高更于是决定搬走，不久梵高在癫狂中在割掉了自己的左耳，还把割下来的耳朵打包送给了他们认识的一位妓女。

他割耳的行为让阿尔本地居民感到不安，出于对他精神状态的恐惧，1889年5月8日梵高被关进精神病收容所——圣雷米精神疗养院。出院后离开阿尔，搬到了奥维尔小镇休养，这是他创作的最后一个时期。1890年7月27日，开枪自杀。（一说，两个年轻人不小心走火开枪击中），年仅37岁。提奥在梵高自杀后半年后死于严重的精神病发作，与梵高葬在了一起。

绘于1889年，奥赛美术馆藏品，为梵高生前最后一幅自画像。

梵高真正的画家生涯是在约27岁时，创作超过二千幅，约900幅油画与1100幅素描，900多封书信。

梵高早期只以灰暗色系进行创作，

后受印象派画家及日本浮世绘的作品影响，梵高融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风。他最著名的作品多半是在他生前最后二年创作的。

梵高和提奥相继去世后，梵高的弟媳乔安娜出版了《梵高书信全集》，并不遗余力地举办了七次梵高画展。通过10年左右的时间，梵高的作品逐渐开始得到人们的注意。

他的书信集在1914年出版，一个为艺术献身的画家形象开始成形。1934年，欧文·斯通以梵高的书信为基础写出了《渴望生活》一书，1956年又改编成电影，使得他在美国人中也开始变得家喻户晓。

梵高作品欣赏：

1888年8月《花瓶里的三朵向日葵》，美国私人收藏，一般认为这是梵高向日葵系列的第一幅作品。

《向日葵》是梵高绘画的一系列静物油画，包括插在瓶里和没有花瓶的两类。其中最出名的就是这些有花瓶的。插在花瓶中的向日葵被广泛认为一共有7幅，但有一幅被毁，所以保存下来的还剩六幅。

1888年8月《花瓶里的五朵向日葵》，日本山本顾弥太收藏，这幅被认为是该系列的第二幅画作品，1945年被毁。

1888年8月《花瓶里的十二朵向日葵》德国慕尼黑新美术馆藏

梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情。他以各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵，同时他也以12来表示基督十二门徒。

1888年8月《花瓶里的十五朵向日葵》英国伦敦国立美术馆收藏。

15朵向日葵从一只简单的陶罐里冒出来，背景是耀眼的黄色。花儿有的新鲜挺拔，环绕着火焰般摇曳着的花瓣。有的则快要结子，已经开始凋萎。

1888年12月-1889年1月，《花瓶里的十五朵向日葵》日本兴亚东乡青儿美术馆收藏。

梵高去世以后，他所留下的几幅《向日葵》散落到世界各地，日本就收藏了其中一幅。但很不幸，这幅画在二战中被“炸毁”了，日本人就对此念念不忘。以致于他们在1987年时，不惜以3990万美金的天价拍下了梵高的另一幅《向日葵》，创造了当时艺术市场上的最高价格。《向日葵》也因此一战成名。

1889年1月创作，《花瓶里的十五朵向日葵》，荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆收藏

梵高一生画过很多向日葵，以收藏在阿姆斯特丹博物馆的这幅最为有名。

梵高最初是想画一套六幅向日葵的系列作品，用来装饰卧室，这是为了迎接好友高更的到来做的准备，梵高努力让整个房间看上去生机勃勃，以掩盖他精神问题所带来的负面情绪。

随后高更的到访看到梵高的作品为之一震，认为这些《向日葵》系列是梵高画作风格本质的最完美的体现，面对高更突如其来的不吝赞美，让梵高欣喜若狂且不知所措。临走前高更委婉表示想要其中的一幅，这让梵高犯了难，他起初没想过要把六幅《向日葵》送人，但还是很高兴地为他的好朋友重新临摹了一幅画。

这幅临摹品比原画更鲜艳、更富有感情色彩，也是六幅画中最昂贵、最具有艺术价值的一幅《向日葵》。

梵高说我们生来就是孤独，也没人会懂我的孤独嗯，路灯全都灭了不能破坏别人的幸福。

1889年1月《花瓶里的十二朵向日葵》91x72cm 美国费城美术馆藏

1888年《花瓶中的夹竹桃与书》

美国大都会艺术博物馆藏

《花瓶中的夹竹桃与书》是梵高在法国南部的阿尔勒时期创作的作品。

对于梵高来说，夹竹桃是一种快乐的、生命垂危的花朵，“无穷无尽”地开花，并且总是“推出强劲的新芽”。在这幅画中，夹竹桃在花瓶中怒放，充满了生命力。花朵填满了画家用于创作阿尔勒其他静物画的陶器，他们象征性地与左拉的小说放在一起，组成一个静物组合。

梵高赋予画面中的叶子以更多的精神，让叶子能够出彩。叶子和花朵的用笔讲究，不仅在形式上形成强烈的对比，而且在色彩的对抗上有更加具有冲击力。

1889年鸢尾花美国加州保罗盖兹美术馆藏

1890 《花瓶里的紫色鸢尾花》纽约大都会美术馆

这幅画是文森特梵高的代表作之一，也是后印象主义的经典之作。

1890年5月，在圣雷米精神病院的几周里，梵高画了四幅有关春天的画，其中两幅是鸢尾花另外两幅是玫瑰。

这幅画描绘了一束紫色的鸢尾花，插在白色的花瓶里，前后不齐地满满插在一起，同时又向四方怒放。

画面中的花色彩鲜艳，形态优美，状如光晕。梵高在创作这幅画时，正处于他的创作高峰期。他对色彩的运用非常独特，用大胆的笔触和强烈的色彩表现出内心的情感和感受，淡蓝花束与粉色背景营造的温柔和谐的情调。

1890 《土黄瓶鸢尾花》荷兰阿姆斯特丹梵高美术馆藏

这幅画是梵高离开圣雷米疗养院之前所作。梵高与贝伦博士及提奥商量后，决定离开南法，前往加歇医生居住的奥弗（位于巴黎北方）。

1890年5月17日，梵高留下了这幅画，只身前往巴黎。

对于这幅画，他曾做这样的说明：“紫色的花束，在鲜丽的柠檬黄背景下浮现，而花束本身另有黄色的色调。放置花瓶的台面，表现出不配衬的补色效果，但这种强烈的对比，格外鲜明”。

1988年11月11日，《鸢尾花》以5300万美元的天价卖出。

1890 《玫瑰花》71cm x 90cm美国华盛顿区国家画廊藏

这幅画是梵高在去世前几个月创作的四幅花卉主题油画之一。这幅画的背景为浅绿色，插在翠绿色花瓶里的玫瑰静静地绽放。

梵高曾经在信中提到，当人们凝视这些花朵时，可以感受到一切信仰的“重生”。

1890年5月，梵高即将离开法国圣雷米精神疗养院。在离开前夕，他画了这一组特殊的静物画，分别是两幅白玫瑰和两幅鸢尾花。

1890年《白玫瑰》纽约大都会博物馆

梵高在1890年5月13号给他弟弟提奥的信里写到：“我刚刚完成了一幅画，粉红色的玫瑰花被放在黄绿色背景前的一只绿色花瓶里。我希望过去这几天画的这些画能弥补我们的旅行费用。”

然而这幅《玫瑰花》也和梵高其他绝大多数画一样，并没有在他生前给他带来任何收入。它在梵高母亲家中一挂就是17年。

我们现在看到的这幅“白玫瑰”实际上这些花儿曾经是粉红色的。如果你仔细看这些花朵，还是能看出点红色的痕迹，只是随着时间的流逝，绝大多数都严重褪色了。当时，梵高使用的红色颜料是由动植物中所提取的有机物制成的，这些脆弱的有机质颜料在阳光下很难保持长久的鲜艳。

1889年《麦田里的柏树》 73cm x 92cm 美国大都会艺术博物馆藏

梵高共画了两幅很相似的麦田里的丝柏树。

他曾这样写道：“脑子里始终浮现着柏树，很想把它画成像向日葵那样的作品。但是很奇怪，为何没有人画得像我所看到的一般。柏树的线条与比例确实很美，宛如埃及的宫女。”

这一幅画同圣雷米时期的许多风景画一样，完全没有直线的笔触。所有的物体都卷曲着，泉涌着，柏树像一团黑色的火焰，不停地向天空喷吐着。虽然一切都在起伏摇动，但整个画面看来，却有一种古典式的明朗与均衡感。暖色与冷色的微妙对比，轻重与形状的比例，这些不但形成结实的构图，而且统一着整个画面。

1948年，大都会在检查梵高的《丝柏树》时，竟然发现画里的颜料还没有干透，指甲一按就会往下陷。

1888年《普罗旺斯的干草堆》布面油画 73cm x 92cm 荷兰克勒勒﹣米勒博物馆藏

1890年《盛开的栗子树》克勒勒﹣米勒博物馆

1886年《牧场花地和玫瑰静物》克勒勒﹣米勒博物馆藏

1888年《盛开的桃花》荷兰克勒勒﹣米勒博物馆藏

这是梵高在初到阿尔勒为纪念莫夫所创作。

安东．莫夫是荷兰现实主义画家，海牙画派代表人物。擅长描绘田园风景和乡间生活，他的妻子珍特·莫夫是梵高表妹。

这幅画的左下角有几个字：“纪念莫夫”,并附有一首诗在画的背面：不要以为死去的人死了，只要活人还活着，死人总还是活着，总不是活着。

1888年《开花的果园》大都会艺术博物馆藏

这幅作品是梵高在1888年春天到达阿尔勒后所画的果园系列作品之一。

他一共画过14幅开花的果园，而这一幅可能是整个系列的末尾一幅，

画中果树的整体表达和花草的色彩呈现是不同于之前的果园风格，它不但有更明了的清晰感和精气神，也突显了一种更含蓄的艺术视角，而且也有日本版画风格的味道。

1883年《荷兰花圃》华盛顿特区的国家美术馆

球茎田，在荷兰又称花坛。它描绘了一个荷兰球茎商人种植的蓝色、黄色、粉色和红色的长方形风信子。

低矮的制高点创造了色彩缤纷的春花田野的全景，茅草屋和叶落的树木在背景中。规律的构图使梵高能够探索他对透视法的兴趣。

这幅画是梵高1883年初创作的一幅油画，是梵高的第一幅花园画。可能是1885年梵高把这幅画和其他早期作品一起留在了他位于纽南的家中，然后在1886年初，这幅画陪伴着他刚刚丧母的母亲和妹妹搬到布雷达。1902年，木匠阿德里安斯·施劳温把它和其他一些不值钱的“垃圾”一起卖给了商人库维尔。它于1902年在鹿特丹的Kunstzalon Oldenzeel展览，并被命名为Tulpenland（荷兰语：“郁金香田”)。1905年，简·斯密特买下了这座宫殿，并于1919年卖给了他的孙子约翰·恩托文。经过几位艺术品经销商的手后，它于1955年被保罗·梅隆从诺德勒美术馆购得。1983年，梅隆将它捐赠给了位于华盛顿特区的国家美术馆。

1890年《瓶中花束》美国大都会艺术博物馆藏

这幅画是典型的奥维尔时期作品，白色花瓶中的花束主要由雏菊组成，还混合了金盏花和康乃馨。

1888年《阿尔的朗卢桥和洗衣妇》荷兰﹣国立渥特罗库勒穆勒美术馆

1888年《被柏树包围的果园，鲜花盛开》荷兰库勒慕勒美术馆

1889年《静物土豆》布面油画 40x48cm 荷兰库勒穆勒博物馆

1890年《普罗旺斯夜间的乡村路》库勒穆勒博物馆

《日落时柳树》荷兰库勒穆勒博物馆

1888年《夜晚露天咖啡座》荷兰布上油画 81cm×65.5cm荷兰的克勒勒﹣米勒博物馆

夜晚露天咖啡座是梵高星光三部曲的第一部，画面描绘了阿尔勒一家咖啡馆的室外景色，室内温暖而明亮的黄色灯光洒在屋外鹅卵石铺成的广场上，在深蓝色的夜空中，群星闪烁，宛如朵朵灿烂的灯花。整幅画面与画家笔下的咖啡馆室内景形成了鲜明的对比，色彩明丽，气氛温馨恬适。

梵高经常在晚上光顾离他住所不远的咖啡馆。咖啡馆的耀眼灯光和布满天空的星辰，激发了他作画的热情。他在这幅画上，用黄和蓝来表现一种独特感受。画中被灯光照成黄色的咖啡座和蓝色星空的对比，使整幅画显得很美，洋溢着一种平和的诗意。梵高曾说：“对我来说，晚上看来比白天更有活力，更有丰富的色彩，晚上作画，看天上有闪烁的星星，地面有灯光，是一幅很美的与安详的作品。”

梵高在阿尔勒时，着手在画布上描绘灿烂的星夜。入夜后，他便支起画架，把一圈小蜡烛固定在帽沿上，借着烛光描绘星空。他漫步在村中街巷，不时在路灯下停住脚步，捕捉夜空的景色，星空犹如闪光的蓝色布幕，衬托着黑黝黝的屋顶和房舍。偶尔从敞开的门里，泻出一道黄色灯光。

梵高当年在阿尔勒描绘的这家咖啡馆如今依然矗立在拉马丁广场。

1888年《夜间咖啡馆》美国耶鲁大学艺术画廊藏

《夜间咖啡馆》是梵高1888年9月在法国阿尔勒的时候创作的一幅画，描绘的是室内的咖啡馆的场景。

梵高曾自评这幅画是他画过的最丑陋之一，画面中绿色的天花板，红色的上半部分墙壁泛着亮光，黄色的汽灯和地板，整个画面有着强烈而生动的色彩对比。处在画面中间位置的门帘半开半掩着，据推测门后面有很多独立的小房间。

五位顾客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪汉以及妓女和嫖客，有学者说咖啡馆是穷困潦倒的人和妓女夜间出没的场所，这在画面远处的角落里得以体现。

服务员站在灯光下面面对着观众，在他一侧房间中间部位一有张台球桌，画的右下角有梵高的签名。

这幅作品是梵高描绘室内的画作中最具有力度的，红色、绿色、紫色和蓝色之间微妙的冲撞增强了画面的冲击力，梵高通过这种对比传达了人们可能在这种场所中陷入犯罪、疯狂甚至自毁的情感状态。

1888年《罗纳河上的星空》72.5 x92 cm 法国巴黎奥塞美术馆藏

罗纳河上的星夜又名满天星斗下的罗纳河，是继《夜空》后再次尝试的夜景之作。

画中天空的星光与岸边灯光的倒影，互相呼应，夜晚的星星被它们自己的光晕环绕成圆形，画面通过暖色光线的强弱和间隔排列，表现星星的远近位置。

天空闪烁着星星，河岸也亮着路灯，河面上倒映着路灯的灯光，河岸停泊着两条小舟，一对夫妇正在河岸散步。

1888年2月，在弟弟文森特．提奥的帮助下，梵高来到阳光灿烂、色彩艳丽的法国南方城市阿尔勒。阿尔勒给这个崇尚自然的画家带来了无休无止的创作灵感。他几乎进入了一种疯狂的工作状态中，在阿尔勒生活的四百天内，大约画了200幅油画、100多幅素描和水彩画，还写了200多封谈论艺术与生活的书信。这幅《罗纳河上的星夜》就是梵高1889年9月住在阿尔勒期间创作的油画。

1889年《星月夜》（星空）美国﹣纽约现代美术馆

1890年《奥维尔的教堂》奥塞美术馆藏

奥维尔的教堂连同其它奥维尔的茅草屋、奥维尔市政厅等作品是梵高在北方的童年和青年时的回忆。

教堂呈现着紫罗兰色调，彩色的玻璃窗上闪着亮光，紫色和橙色相间的屋顶映衬着纯蓝色的天空。

画面的前面有着一些绿色植物和鲜花，粉红色的阳光照射在地面上，这如梵高的墓地和老教堂等绘画拥有着相同的表现手法，不过这里的色彩表现力更为强烈、丰盛。

1890年《奥维尔的绿色麦田》72.39x91.44cm 布面油画华盛顿国家美术馆藏

在梵高生命中的最后几个月里，《奥维尔的绿色麦田》被画了出来。他写道，回到法国北部是一种返乡，一种对精神状态的和平恢复，南方充满活力的炽热色彩被绿色、蓝色的冷色调和柔和的色调所取代。

这幅作品确实很奇特，除了草地、道路和天空之外，没有清晰的主题，没有农民或马车，没有农村建筑。相反，纯净的植物被风吹起。三分之二的构图由丰富的绿色和蓝色组成，点缀着黄色的花朵。正如他在阿尔勒和圣雷米周围的乡村完成的画作一样，梵高在这里描绘了一幅“纯净”的风景。

在奥维尔的绿色麦田中，梵高充满活力的笔触描述了在微风中的草茎，它们的起伏仿佛编织而成，田野、道路和天空则在右侧交汇。在那里，风中摇晃的麦田被定格；头顶，云在旋转。

1890年《奥弗斯的房子》布面油画 76cm x62cm 美国波士顿美术馆藏

1889年《峡谷》布面油画 73cm x 92cm 美国波士顿美术馆藏

1888年《梵高在阿尔勒的家》 72 x91.5 cm 荷兰梵高博物馆

1888年初，梵高对巴黎繁杂的都市生活产生了厌烦。梵高渴望乡村的宁静、阳光和“日式”风景的光线及色彩。为此，他将希望寄托在法国南部的普罗旺斯。

1888年2月20日，在坐了一天一夜的火车之后，梵高终于到达了隆河上的小镇——阿尔勒。5月梵高在阿尔勒租了一间旅馆居住，因为它的外壁涂成了黄色，故被称为“黄房子”。

在这幅作品中，画面左侧的是一家杂货店和公共花园，有遮阳篷的餐厅是房东太太的，右侧的建筑即是梵高的住所。

梵高的黄房子有两层，正面的窗户被涂成绿色和黄色。

一楼的两个房间是工作室和厨房，二楼靠左的窗户里是梵高的房间，靠右的窗户是高更的房间。

在画面最右方，是一座铁路桥。铁路桥后住着邮递员鲁林一家，他们经常成为梵高画中的模特。

这幅图画的主题不是光，而是感情。梵高的第一个念头是想把它画成一幅夜景画：窗口亮着，空中繁星闪烁，可是在定稿中，他蓄意强调阳光通过巨大的空隙流进屋内的黑暗，所以整幢房子发出光亮。

梵高很早就向往“艺术家的乐园”，因此他希望这个家能成为他的“未来画室”，为此他还特意买了12把椅子放家里。此外梵高还希望能够尽快地接他的朋友高更来一起生活。

梵高在这里居住至1889年4月，梵高去世几年后，这里改成了酒吧，1994年二战时期被炸弹摧毁，如今这里是一个粉色的四层楼，有一间名叫“梵高终点”的旅馆，挂着梵高的肖像和《向日葵》。

《吉诺夫人肖像》

吉诺夫人是梵高黄房子时期的邻居，她是梵高画作中夜晚咖啡厅的老板娘。

《约瑟夫·魯林肖像》荷兰鹿特丹布尼根博物馆

1888年《梵高在阿尔勒的卧室》布上油画 72×90cm 梵高博物馆藏

1888年初梵高从巴黎搬到了法国南部的阿尔勒，10月，在搬进阿尔勒的“黄房子”后，梵高随即创作了该画作。

该画作共5个版本，都是同样绘制了梵高在阿尔勒的卧室模样，其中包括3个油画版本和2个素描版本。

这是梵高为阿尔勒的黄房子所画的唯一一张内景画。在梵高37年的生命中，有过37个住所，只有该卧室让梵高反复描摹。

梵高之所以画出自的房间，主要是想让他的弟弟西奥看到他目前的生活情况。朴素的床、椅子和洗脸用具等，都是真实的生活写照。画中的空间与他的风景画处理的方式相同，都采用后退空间感。色彩对比鲜明，让人产生愉悦感。

这幅作品是宁静、和平的象征，但给人一种旋转的感觉，从梵高画的角度来看，所有的墙壁和装饰带有视觉冲击的感觉，给人以在波涛汹涌的大海上船舱里的印象。

奇怪的是两把椅子对着一张笨重的木制床，家具阻挡着两扇紫色的门，墙上的画给人感觉几乎随时都会掉下来，

而且墙壁本身不是方形的，斜角的天花板和黄色的百叶窗显得非常困乏，整个房间似乎都拥挤到后面窗口边上狭窄的一块地方。

1889年《梵高在阿尔勒的卧室》72cm x90cm 美国芝加哥艺术协会藏

1889年《麦田里的收割者》布面油画 50.5x100.5 cm 梵高博物馆藏

这幅画是梵高在法国的精神病疗养院里创作的，那时主要是临摹他喜欢的一些画家的作品，也有少数自己的创作，这便是其中的一副。

梵高本人对这幅画的介绍：这是我的一幅收割者的习作，画面一片黄色，我着色很厚，但画的主题却简单而美丽。

一个模糊的身影，像个魔鬼，在炎炎烈日下，辛苦地完成他的工作。

我在画里可以看到死亡，就是说人最终也会像麦子一样被收割。可以说，这与我之前画的播种者的形象相反，但是……这样的死亡并不哀伤，它放生在光天化日之下，太阳给万物洒下了一片金色。

1890年《乌鸦群飞的麦田》梵高博物馆藏

《乌鸦群飞的麦田》创作于1890年7月，是梵高自杀之前创作的一幅油画作品。

描绘的是法国瓦兹河上奥维尔镇周围乡下麦田的情景，画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不祥的预兆。在完成《麦田上的鸦群》之后的两个星期，梵高举枪自尽。

1888 《盛开的杏树》梵高博物馆

1888年《收获》梵高博物馆馆

1888年《莱斯附近的海景》44.0 x 53.0cm 梵高博物馆藏

《莱斯附近的海景》是梵高完成于1888年夏天的一幅海景作品。

面对面对突如其来的暴风，梵高依旧站在莱斯附近的海滩上，一边作画，一边抵抗海风肆虐，他用粗线条和明亮的金黄色、白色表现暴风雨来临前咆哮、激荡的大海，直接把颜料挤到画布上，以此表现海浪的动感和力度。

1890年《盛开的杏树》73.5x92 cm 布面油画梵高博物馆藏

《盛开的杏花》是梵高送给弟弟和弟妹庆祝小侄子出生的贺礼，在杏花盛开时节出生的小侄子后来成为梵高博美术馆的创办者。

梵高去世后的半年内，他的弟弟健康状况恶化，随后也去世了。梵高生前穷困潦倒，是弟弟的资助和支持让他能够专心作画，而他去后，弟弟伤心之至亦伤身。

弟弟去世后，梵高的弟妹尽毕生精力将梵高的作品发扬光大，使之举世闻名。后来，又将梵高弟弟的墓迁到梵高墓旁，让其与亲爱的哥哥相伴左右。

1890年《树根》梵高博物馆

这幅《树根》被学界认定是梵高身前绝笔之作。是在自杀当天上午绘制，似乎没画完，以抽象的方式描绘了交织、缠绕、深扎的多瘤节树根和树干。画中这些榆树似乎快要从石灰墙边倒下，已经松垮散乱。

前几年有研究人员通过一张早期明信片，在法国瓦兹河畔奥维尔小镇，精确定位了这幅画的地点，离梵高住处仅150米，步行两分钟。

这张明信片上有一个骑自行车的路人，后面是陡峭的树坡，这与《树根》惊人地相似。在比较了这幅画和1900-1910年的明信片之后，确认它们是同一处地。

明信片上的树桩和树根残痕已经被新生的植物所覆盖。斜坡随后被部分清理，露出了画作中所描绘的树木主体部分的鲜明轮廓。

山坡的形状、树根、它们之间的方位关系，地表的构成以及裸露陡峭的石灰石表面。

1885年《吃马铃薯的人》布面油画 71.5x114.5cm 梵高博物馆藏

《吃马铃薯的人》创作于1885年，是梵高接触印象派之前的最重要作品，作品描绘了农民一家人在有着昏暗灯光的房间里吃土豆的情景。

画中右手边的老妇人，眼睑下垂，脸和手布满皱纹、凹凸不平，

生活的重压剥夺了她全部的生趣，她机械地倒着手中的咖啡，目光不与餐桌上的任何一个人交接；

画中左手的中年男子，他小心翼翼地注视着对面的母亲，似乎为自己的胃口充满了负罪感。

昏黄的灯光下，围坐在餐桌边的一家人眼中却仍然透露出饥渴的神情。

桌上悬挂的一盏灯，成为画面的焦点，昏黄的灯光洒在农民憔悴的面容上，使他们显得突出。

低矮的房顶，使屋内的空间更加显得拥挤。

灰暗的色调，给人以沉闷、压抑的感觉。

梵高自己称这幅画是“表现主义的诞生”。有人指责他这幅画中的形象不准确，而他的回答是:“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，……我就是要制造这些不准确、这些偏差，重新塑造和改变现实，是的，他们能不真实，你可以这样说--但是比实实在在的真实更真实。”

与前面以织布工为题材的作品相比，这幅画的明显不同在于人物成了主角。虽然因为离模特太近，导致透视比例产生了偏差，但是，梵高在这幅画中加入了自己的主观情感，而不再拘泥于写实主义的“冷静旁观”。一家人身处如此悲惨境遇，却是那样的安详和平静，令观者对人生、对命运产生无限的感慨。梵高说：“我要努力学会的，不是画一个比例正确的头像，而是画出生动的表情。简单地说，不是描摹没有生命的东西，而是画鲜活的生活。”

1886年《两只鞋》荷兰阿姆斯特丹梵高美术馆

1889年《园丁》意大利国家现当代美术馆藏

1890年《加歇医生》巴黎奥赛博物馆

《加歇医生》创作于1890年6月，1990年5月15日《加歇医生》在纽约克里斯蒂拍卖行以8250万美元成交，创下了当时艺术品拍卖价格的世界最高纪录。这是梵高为照顾自己的医生加歇医生画的一幅肖像。

1887年《铜瓶中的皇冠贝母》奥赛美术馆

左上角的签名，是梵高在画作完成后以坚硬物体（很可能是笔杆）直接在油彩上划出来的。

1889-1890年间《午睡》巴黎奥塞美术馆藏

这幅画是梵高在圣雷米精神病院时，对米勒的《沉睡》进行的临摹和再创作，表现了一种劳作后休息的午睡场面。

梵高曾表示过他最喜欢的画家是米勒，因此梵高早期的作品有相当一部分是临摹米勒的作品，尤其是版画，他把版画画成油画。

让·弗朗索瓦·米勒是19世纪法国杰出的现实主义画家，以描绘农村主题见长，他创作的作品以描绘农民的劳动和生活为主，具有浓郁的农村生活气息。

午睡米勒

1890年《第一步》布面油画 72.4x91.1cm 美国纽约大都会美术馆藏

这幅油画作品临摹自米勒的同名作品《第一步》，是梵高最受欣赏的作品之一。

在梵高生命的最后一年，住院养病的这段时间他临摹了20多幅米勒的画作，《第一步》就是其中一幅。

据梵高传记中记载，他一直将米勒的作品看成自己的绘画检验标准。

亲密的家庭场景具有普遍的吸引力，和谐的配色方案是梵高最终的典型风格。这幅画充满了他对大师米勒的景仰，也流露出他长期以来对温馨家庭生活的向往，遗憾的是这从未实现。

1888年《红色葡萄园》莫斯科普希金博物馆藏

这幅画是梵高一生中唯一卖出的一幅画。

1888年10月28日高更与梵高两人共同散步，他路经某葡萄园，被这儿的景色深深的吸引着，因而萌生出创作念头。

在画作完成的15个月后，提奥的友人莫斯协助梵高把《红色葡萄园》等作品带到比利时的布鲁塞尔，参加“1890年1月开幕二十人联展”。

在展览期间，画家波克的妹妹安娜以400法郎（约相当于现今1000美金）把《红色葡萄园》买下，这是梵高在生时唯一幅能够卖出的作作品。分析相信，安娜之所以买下该画除了是因为她喜欢以外，还有她想帮助穷困的梵高以及令她的哥哥觉觉得高兴。此后，安娜把这画藏在家中，以供自己和到访的友人欣赏。1906年，她以1万法郎把画作卖出。同年，俄罗斯商人购入该画，并把它藏在位于莫斯科的家中。