德国

在德国，一些才华横溢的艺术家改变了艺术世界，他们始于一个简单的想法：画你所感受的，而不仅仅是你所看到的东西。

1905 年，德累斯顿有一群艺术家，他们被称为“桥” (Die Brücke )。他们想在旧的艺术创作方式和新事物之间“架起一座桥梁”。他们使用鲜艳有时甚至奇怪的颜色、大胆的线条，描绘城市、马戏团和看似孤独的人的场景。他们想通过绘画来展示作为人的意义，以及所有美好和艰难的情感。

1911 年，慕尼黑另一群艺术家，名为“蓝骑士”，又向前迈进了一步。其中一位艺术家，瓦西里·康定斯基，认为：为什么只画我们看到的东西？让我们画出我们内心和头脑中的感受吧！他开始创作充满色彩和形状的画作，这些画作仿佛在跳舞，表达的是情感和想法，而不是真实的物体。这就是抽象艺术的诞生！

第一次世界大战结束后，1919 年，一所名为包豪斯的特殊学校成立。在这里，艺术也变得有用。人们学会将美感与日常物品（如家具或建筑）的实用性结合起来。当时的想法是，一切，即使是一把椅子或一个杯子，都可以成为艺术品。

康定斯基、保罗·克利和约瑟夫·阿尔伯斯等大师都曾在包豪斯任教。例如，保罗·克利曾说，色彩就像音乐：它们能像美妙的旋律一样触动我们的心灵。在包豪斯，艺术家们不惧于尝试。他们画画、建造和发明新事物，至今仍激励着许多人。

第一次世界大战期间，许多德国艺术家参加了战斗，亲眼目睹了战争的残酷。这改变了他们的绘画方式。有些人，如奥托·迪克斯和乔治·格罗斯，创作了非常现实和残酷的画作，展现了人民的苦难和战争的恐怖。这是他们告诉世界这一切是多么不公平的方式。其他大师选择了不同的方式表达他们的感受。他们不想展示真实的图像，而是喜欢用形状、颜色和线条来表达他们的情绪和内心的混乱。

第二次世界大战后，一位名叫格哈德·里希特的德国艺术家开始尝试新的艺术创作方式。他使用照片、颜色和颜料层来创作模糊的画作，仿佛是在回顾遥远的记忆。在他的抽象作品中，他混合颜色和形状来创作看似混乱却又自然的作品，就像梦中看到的风景。

德国抽象艺术告诉我们，看待世界的方式不止一种。这些艺术家通过色彩、形状和想法，创造了一种无需语言就能理解的通用语言。这是一种直击心灵的艺术形式，引导我们去思考和感受。

因此，感谢他们，我们可以欣赏一幅抽象画并问自己：它让我有何感受？

当代例子

这幅画作由 Leon Grossmann 创作，名为《棕褐色抽象画，温馨对话》。画作中没有明亮的色彩，而是使用了棕色和灰色等深色色调，底部带有白色带。看着这幅画，这幅画似乎在讲述一个平静而又有点神秘的故事。混合的色调从黑暗过渡到光明，仿佛明亮和黑暗的部分在默默地交谈。这幅作品邀请您停下来思考。它让您想知道：“白色和黑色之间发生了什么？”

莱昂·格罗斯曼并不打算画出一些可识别的东西，而是想让我们感受到情感，就像许多德国抽象艺术家一样。他的色彩不会向我们展示什么；它们会让我们感受到——也许是平静，也许是一场安静的对话。这幅画的色调似乎像思想或记忆的层层重叠，每一层都有一个小故事要讲。不需要用语言来理解它，因为它是一种直接与心灵对话的语言。尽管这幅画看起来很静止，但色彩中却有一种微妙的运动感，就像思绪来来去去的流动。

看着这幅作品，你可以停下来问自己：“这让我有什么感觉？它让我想起了什么吗？”这幅画并没有讲述一个具体的故事，而是给你的想象留下了空间，邀请你在它传达的情感的引导下创作自己的故事。

美国

20 世纪 40 年代和 50 年代，纽约有一群艺术家开始尝试一种新的绘画方式。他们不再画人物、树木或房屋等可识别的事物，而是用颜色、形状和手势来表达深刻的情感和普遍的思想。这一运动被称为抽象表现主义，它成为美国创作自由的象征。

杰克逊·波洛克就是其中一位艺术家。他不使用传统的画笔，而是将颜料滴落或泼洒在铺在地板上的巨大画布上。他的画作充满活力，仿佛颜料本身就在讲述混乱和生命的故事。另一位重要的艺术家是马克·罗斯科，他画的是大矩形。罗斯科认为，色彩可以让我们感受到平静或神秘等情绪。

威廉·德·库宁则将人物形象与抽象相结合。在他的画作中，人物形象似乎在移动，仿佛每一笔都在诉说着某种鲜活而不断演变的东西。所有这些艺术家都有一个共同点：他们希望自己的艺术能够探索情感和思想，而不需要模仿现实。

当时，美国艺术还未找到自己的位置，远离欧洲的影响。但随着抽象表现主义的兴起，纽约成为了现代艺术的新中心。美国艺术家以其巨大的画布和独特的风格向世界展示了一种充满活力和自由的艺术。这一成功还包括李·克拉斯纳和海伦·弗兰肯瑟勒等伟大的女性艺术家，她们为这一运动做出了重大贡献。

20 世纪 60 年代，一批新艺术家决定摆脱抽象表现主义，创作一些不同的东西。这导致了极简主义的诞生，这是一场以简单形状和工业材料为特征的艺术运动。例如，唐纳德·贾德创作了看起来像是从工厂里出来的几何雕塑，而弗兰克·斯特拉则用线条和形状创作作品，强调色彩和空间的简单性和力量。

当代例子

Philippe Halaburda 的作品《Serdull 1 的回忆》就像是色彩和形状的爆炸，相互融合。粉红色是主色调，在黄色、黑色和红色和橙色之间闪闪发光。许多矩形和线条以一种看似混乱的方式交织在一起，但实际上，一切都有意义。看着它，感觉这幅画代表了我们脑海中流动的想法和情感。

菲利普·哈拉伯达 (Philippe Halaburda) 创作了这幅作品，以展示大脑如何应对与记忆相关的变化。粉色代表思考和学习，黄色象征着迷失感，而黑色则传达着困惑。每种颜色都有自己的含义，它们一起创造了一种对话，就像美国的抽象表现主义艺术家所做的那样。

和杰克逊·波洛克一样，哈拉伯达以自发而动态的方式运用几何图形，他的画作充满活力和自由。线条和色彩仿佛飘浮，在混乱和秩序之间创造了一种平衡。这幅画仿佛在讲述一个故事，但却没有使用文字。

法国

一百多年前，法国的一些艺术家开始用一种全新的方式绘画。他们想要创作一种不描绘现实世界事物（如房屋或人物）的艺术，而是只用颜色和形状来唤起情感。索尼娅和罗伯特·德劳内是最早创造这种艺术的人之一。例如，索尼娅设计了一条充满色彩和抽象形状的毯子，而罗伯特则画了似乎在跳舞的圆圈和线条。这种新风格被称为俄耳甫斯主义，以希腊神话中以神奇音乐闻名的人物俄耳甫斯命名。

奥尔菲斯派艺术家使用鲜艳的色彩和线条来营造一种动感。他们认为色彩就像音乐：它可以让我们感到快乐、悲伤或充满活力，而无需详细的绘画。索尼娅·德劳内甚至将这种艺术带入时尚界，设计色彩鲜艳的服装和家居装饰。奥尔菲斯派只持续了几年，因为 1914 年第一次世界大战的爆发迫使艺术家们暂停了工作。

第二次世界大战后，法国因所发生的一切而充满悲伤和恐惧。艺术家们想找到一种方式来表达这些感受，并决定创作没有规则的艺术。这种风格被称为非定形艺术：它不使用精确的图形，而是使用自由的笔触、色彩的飞溅和“不寻常的”材料来创作表达痛苦、混乱和希望的作品。

许多法国艺术家都接受了这种新的艺术方法。例如，乔治·马修用画笔做出大而有力的手势，创作出充满活力的画作，而其他人则使用不同的材料，如沙子或织物，使他们的作品具有粗糙和逼真的外观。每件杰作都是独一无二的，展示了艺术家如何看待战后的世界。

当代例子

在这幅画中，我们看到靠近顶部中心处有一个亮蓝色的矩形，周围是米色和棕色的浅色背景。背景给人一种平静和宁静的感觉，而天空般的蓝色则显得格外突出，仿佛悬浮在广阔的空旷空间中。

这些颜色会向我们诉说：蓝色可能会让我们感到平静或安详，而米色和棕色会让我们想起一些简单而自然的东西。艺术家并没有向我们展示物体或人物，而是让我们感受颜色想要传达的东西。

Farid Bellal 使用简单的形状（例如矩形）来表达深刻的思想。他没有告诉我们要看什么，而是让我们自由地想象和感受个人情感。中心的蓝色几乎充满活力，就像矩形内包围的一片小海洋。看着它，我们感觉被吸引得更近，让我们的想象力深入其中，发现里面可能有什么——鱼、船，或者可能是完全不同的东西。

荷兰

很久以前，第一次世界大战期间，世界一片混乱，人们的生活也变得很不愉快。荷兰的艺术家们想做点什么让生活变得更美好、更和谐。他们相信艺术能带来秩序感和希望。

1917 年，两位伟大的艺术家 Theo van Doesburg 和 Piet Mondrian 创立了一个名为“风格派”的团体，意为“风格”。他们认为，只需要最简单的元素就能展现更美丽的世界：正方形和长方形等几何形状、直线以及红、蓝、黄、白、黑等基本颜色。这种趋势就像一种特殊的语言，旨在展示秩序与和谐。

蒙德里安还相信，他的作品可以代表世界的力量。他用垂直和水平的线条来表达运动与静止、男性和女性等事物。他的杰作看上去很简单，但实际上经过精心设计，既平衡又和谐，而且每个人都能轻松理解。

而范·杜斯堡则认为绘画需要更多的动感。他使用对角线和倾斜的形状，使作品显得更具动感和活力。这种方法上的差异导致他和蒙德里安之间产生分歧，最终他们停止了合作。

风格派艺术家们的风格并不局限于绘画。他们想把风格带到任何地方：家居、家具、书籍，甚至建筑中！例如，一位名叫格里特·里特维尔德的建筑师设计了一把著名的椅子——红蓝椅，以及一栋名为施罗德之家的特殊房屋。这样，人们就可以生活在一个充满和谐的空间里。

到了 20 世纪 20 年代末，该团体的艺术家们意识到，将他们的愿景带入现实世界并不容易。他们开始有了不同的想法，风格派最终解散了。然而，他们的作品从未被遗忘。

当代例子

《红色风景 2》是一幅描绘风景的画作，但方式却截然不同。画中没有树木或房屋，只有激发我们想象力的颜色和形状。画家 Leo Bos 以红色为主要色彩，中间有一条白线，周围有一些棕色。笔触厚重而粗糙，让这幅画有一种动感，仿佛它有生命一样。

猩红色是一种强烈而强烈的颜色，可以唤起力量或激情等情感。另一方面，白线似乎带来了平静和安宁，就像红色中间的停顿。水平的色带让我们想到陆地或地平线，给人一种稳定的感觉。尽管这幅画是抽象的，但一切都感觉恰到好处。那些粗犷的笔触增加了一层额外的趣味，仿佛作品中蕴含着一种我们几乎可以感受到的能量。

德国

在德国，一些才华横溢的艺术家改变了艺术世界，他们始于一个简单的想法：画你所感受的，而不仅仅是你所看到的东西。

1905 年，德累斯顿有一群艺术家，他们被称为“桥” (Die Brücke )。他们想在旧的艺术创作方式和新事物之间“架起一座桥梁”。他们使用鲜艳有时甚至奇怪的颜色、大胆的线条，描绘城市、马戏团和看似孤独的人的场景。他们想通过绘画来展示作为人的意义，以及所有美好和艰难的情感。

1911 年，慕尼黑另一群艺术家，名为“蓝骑士”，又向前迈进了一步。其中一位艺术家，瓦西里·康定斯基，认为：为什么只画我们看到的东西？让我们画出我们内心和头脑中的感受吧！他开始创作充满色彩和形状的画作，这些画作仿佛在跳舞，表达的是情感和想法，而不是真实的物体。这就是抽象艺术的诞生！

第一次世界大战结束后，1919 年，一所名为包豪斯的特殊学校成立。在这里，艺术也变得有用。人们学会将美感与日常物品（如家具或建筑）的实用性结合起来。当时的想法是，一切，即使是一把椅子或一个杯子，都可以成为艺术品。

康定斯基、保罗·克利和约瑟夫·阿尔伯斯等大师都曾在包豪斯任教。例如，保罗·克利曾说，色彩就像音乐：它们能像美妙的旋律一样触动我们的心灵。在包豪斯，艺术家们不惧于尝试。他们画画、建造和发明新事物，至今仍激励着许多人。

第一次世界大战期间，许多德国艺术家参加了战斗，亲眼目睹了战争的残酷。这改变了他们的绘画方式。有些人，如奥托·迪克斯和乔治·格罗斯，创作了非常现实和残酷的画作，展现了人民的苦难和战争的恐怖。这是他们告诉世界这一切是多么不公平的方式。其他大师选择了不同的方式表达他们的感受。他们不想展示真实的图像，而是喜欢用形状、颜色和线条来表达他们的情绪和内心的混乱。

第二次世界大战后，一位名叫格哈德·里希特的德国艺术家开始尝试新的艺术创作方式。他使用照片、颜色和颜料层来创作模糊的画作，仿佛是在回顾遥远的记忆。在他的抽象作品中，他混合颜色和形状来创作看似混乱却又自然的作品，就像梦中看到的风景。

德国抽象艺术告诉我们，看待世界的方式不止一种。这些艺术家通过色彩、形状和想法，创造了一种无需语言就能理解的通用语言。这是一种直击心灵的艺术形式，引导我们去思考和感受。

因此，感谢他们，我们可以欣赏一幅抽象画并问自己：它让我有何感受？

当代例子

这幅画作由 Leon Grossmann 创作，名为《棕褐色抽象画，温馨对话》。画作中没有明亮的色彩，而是使用了棕色和灰色等深色色调，底部带有白色带。看着这幅画，这幅画似乎在讲述一个平静而又有点神秘的故事。混合的色调从黑暗过渡到光明，仿佛明亮和黑暗的部分在默默地交谈。这幅作品邀请您停下来思考。它让您想知道：“白色和黑色之间发生了什么？”

莱昂·格罗斯曼并不打算画出一些可识别的东西，而是想让我们感受到情感，就像许多德国抽象艺术家一样。他的色彩不会向我们展示什么；它们会让我们感受到——也许是平静，也许是一场安静的对话。这幅画的色调似乎像思想或记忆的层层重叠，每一层都有一个小故事要讲。不需要用语言来理解它，因为它是一种直接与心灵对话的语言。尽管这幅画看起来很静止，但色彩中却有一种微妙的运动感，就像思绪来来去去的流动。

看着这幅作品，你可以停下来问自己：“这让我有什么感觉？它让我想起了什么吗？”这幅画并没有讲述一个具体的故事，而是给你的想象留下了空间，邀请你在它传达的情感的引导下创作自己的故事。

美国

20 世纪 40 年代和 50 年代，纽约有一群艺术家开始尝试一种新的绘画方式。他们不再画人物、树木或房屋等可识别的事物，而是用颜色、形状和手势来表达深刻的情感和普遍的思想。这一运动被称为抽象表现主义，它成为美国创作自由的象征。

杰克逊·波洛克就是其中一位艺术家。他不使用传统的画笔，而是将颜料滴落或泼洒在铺在地板上的巨大画布上。他的画作充满活力，仿佛颜料本身就在讲述混乱和生命的故事。另一位重要的艺术家是马克·罗斯科，他画的是大矩形。罗斯科认为，色彩可以让我们感受到平静或神秘等情绪。

威廉·德·库宁则将人物形象与抽象相结合。在他的画作中，人物形象似乎在移动，仿佛每一笔都在诉说着某种鲜活而不断演变的东西。所有这些艺术家都有一个共同点：他们希望自己的艺术能够探索情感和思想，而不需要模仿现实。

当时，美国艺术还未找到自己的位置，远离欧洲的影响。但随着抽象表现主义的兴起，纽约成为了现代艺术的新中心。美国艺术家以其巨大的画布和独特的风格向世界展示了一种充满活力和自由的艺术。这一成功还包括李·克拉斯纳和海伦·弗兰肯瑟勒等伟大的女性艺术家，她们为这一运动做出了重大贡献。

20 世纪 60 年代，一批新艺术家决定摆脱抽象表现主义，创作一些不同的东西。这导致了极简主义的诞生，这是一场以简单形状和工业材料为特征的艺术运动。例如，唐纳德·贾德创作了看起来像是从工厂里出来的几何雕塑，而弗兰克·斯特拉则用线条和形状创作作品，强调色彩和空间的简单性和力量。

当代例子

Philippe Halaburda 的作品《Serdull 1 的回忆》就像是色彩和形状的爆炸，相互融合。粉红色是主色调，在黄色、黑色和红色和橙色之间闪闪发光。许多矩形和线条以一种看似混乱的方式交织在一起，但实际上，一切都有意义。看着它，感觉这幅画代表了我们脑海中流动的想法和情感。

菲利普·哈拉伯达 (Philippe Halaburda) 创作了这幅作品，以展示大脑如何应对与记忆相关的变化。粉色代表思考和学习，黄色象征着迷失感，而黑色则传达着困惑。每种颜色都有自己的含义，它们一起创造了一种对话，就像美国的抽象表现主义艺术家所做的那样。

和杰克逊·波洛克一样，哈拉伯达以自发而动态的方式运用几何图形，他的画作充满活力和自由。线条和色彩仿佛飘浮，在混乱和秩序之间创造了一种平衡。这幅画仿佛在讲述一个故事，但却没有使用文字。

法国

一百多年前，法国的一些艺术家开始用一种全新的方式绘画。他们想要创作一种不描绘现实世界事物（如房屋或人物）的艺术，而是只用颜色和形状来唤起情感。索尼娅和罗伯特·德劳内是最早创造这种艺术的人之一。例如，索尼娅设计了一条充满色彩和抽象形状的毯子，而罗伯特则画了似乎在跳舞的圆圈和线条。这种新风格被称为俄耳甫斯主义，以希腊神话中以神奇音乐闻名的人物俄耳甫斯命名。

奥尔菲斯派艺术家使用鲜艳的色彩和线条来营造一种动感。他们认为色彩就像音乐：它可以让我们感到快乐、悲伤或充满活力，而无需详细的绘画。索尼娅·德劳内甚至将这种艺术带入时尚界，设计色彩鲜艳的服装和家居装饰。奥尔菲斯派只持续了几年，因为 1914 年第一次世界大战的爆发迫使艺术家们暂停了工作。

第二次世界大战后，法国因所发生的一切而充满悲伤和恐惧。艺术家们想找到一种方式来表达这些感受，并决定创作没有规则的艺术。这种风格被称为非定形艺术：它不使用精确的图形，而是使用自由的笔触、色彩的飞溅和“不寻常的”材料来创作表达痛苦、混乱和希望的作品。

许多法国艺术家都接受了这种新的艺术方法。例如，乔治·马修用画笔做出大而有力的手势，创作出充满活力的画作，而其他人则使用不同的材料，如沙子或织物，使他们的作品具有粗糙和逼真的外观。每件杰作都是独一无二的，展示了艺术家如何看待战后的世界。

当代例子

在这幅画中，我们看到靠近顶部中心处有一个亮蓝色的矩形，周围是米色和棕色的浅色背景。背景给人一种平静和宁静的感觉，而天空般的蓝色则显得格外突出，仿佛悬浮在广阔的空旷空间中。

这些颜色会向我们诉说：蓝色可能会让我们感到平静或安详，而米色和棕色会让我们想起一些简单而自然的东西。艺术家并没有向我们展示物体或人物，而是让我们感受颜色想要传达的东西。

Farid Bellal 使用简单的形状（例如矩形）来表达深刻的思想。他没有告诉我们要看什么，而是让我们自由地想象和感受个人情感。中心的蓝色几乎充满活力，就像矩形内包围的一片小海洋。看着它，我们感觉被吸引得更近，让我们的想象力深入其中，发现里面可能有什么——鱼、船，或者可能是完全不同的东西。

荷兰

很久以前，第一次世界大战期间，世界一片混乱，人们的生活也变得很不愉快。荷兰的艺术家们想做点什么让生活变得更美好、更和谐。他们相信艺术能带来秩序感和希望。

1917 年，两位伟大的艺术家 Theo van Doesburg 和 Piet Mondrian 创立了一个名为“风格派”的团体，意为“风格”。他们认为，只需要最简单的元素就能展现更美丽的世界：正方形和长方形等几何形状、直线以及红、蓝、黄、白、黑等基本颜色。这种趋势就像一种特殊的语言，旨在展示秩序与和谐。

蒙德里安还相信，他的作品可以代表世界的力量。他用垂直和水平的线条来表达运动与静止、男性和女性等事物。他的杰作看上去很简单，但实际上经过精心设计，既平衡又和谐，而且每个人都能轻松理解。

而范·杜斯堡则认为绘画需要更多的动感。他使用对角线和倾斜的形状，使作品显得更具动感和活力。这种方法上的差异导致他和蒙德里安之间产生分歧，最终他们停止了合作。

风格派艺术家们的风格并不局限于绘画。他们想把风格带到任何地方：家居、家具、书籍，甚至建筑中！例如，一位名叫格里特·里特维尔德的建筑师设计了一把著名的椅子——红蓝椅，以及一栋名为施罗德之家的特殊房屋。这样，人们就可以生活在一个充满和谐的空间里。

到了 20 世纪 20 年代末，该团体的艺术家们意识到，将他们的愿景带入现实世界并不容易。他们开始有了不同的想法，风格派最终解散了。然而，他们的作品从未被遗忘。

当代例子

《红色风景 2》是一幅描绘风景的画作，但方式却截然不同。画中没有树木或房屋，只有激发我们想象力的颜色和形状。画家 Leo Bos 以红色为主要色彩，中间有一条白线，周围有一些棕色。笔触厚重而粗糙，让这幅画有一种动感，仿佛它有生命一样。

猩红色是一种强烈而强烈的颜色，可以唤起力量或激情等情感。另一方面，白线似乎带来了平静和安宁，就像红色中间的停顿。水平的色带让我们想到陆地或地平线，给人一种稳定的感觉。尽管这幅画是抽象的，但一切都感觉恰到好处。那些粗犷的笔触增加了一层额外的趣味，仿佛作品中蕴含着一种我们几乎可以感受到的能量。