专访艺术家吴鼎

2014-07-02 11:22:44

拜访艺术家吴鼎工作室的那天，天气闷热。拐过歪歪曲曲的老上海钢笔厂的大院，走进了一间保持着上个世纪七八十年代原貌的大楼里。灰旧的水泥台阶，拐角处落满灰尘的卫生间木制小门，紧邻着的是一个钢笔厂的工作车间，屋里几个青年女工在大汗淋漓的摆弄着手里的钢笔物件，屋外的过道里整整齐齐堆放着一摞摞彩色的盒子。再走两步，一个很大的仓库，没有门，可以看到里面放着一个很大的鱼缸，还有干净的水注入，几条鱼在噪杂的环境里瞪着鼓鼓的眼球，一缕阳光照透过玻璃打在鱼缸上，一切都呈干燥的悬浮状态。吴鼎的工作室是在三楼一个改装过的旧车间，里面空间很大，东西看似凌乱却都规整的仅仅有条。天很热，两杯水后，就正式进入话题。

谈及如何开始艺术创作，在吴鼎看其实是一步一步走过来的。艺术专业的背景，玩过音乐，周围很多艺术家朋友和老师，平常喜欢走走搜集灵感。对技术的沉迷，喜欢在洗负片的时候，对色彩、温度控制的精确度，苛求画质。也许就是如此执着的做着自己的兴趣，随着日积月累的思考摸索，才有了今天依旧显得腼腆但沉稳的吴鼎。

吴鼎有一个工作习惯，“不要的坚决不要，就算有时候自己对某些实验过程中的作品特别有感觉，但是与自己一直想探索的方向对不上，或者搁置等待重新再来，或者不要。”任何作品，都经过精心筛选，从来不会把跟自己内核不一致的东西摆出来，即便装置本身可以讨得观众的喜欢。对创作的固执和对人事的“彬彬有礼”，在一个80后的艺术家身上，显得分外突出。或许这就是如他所说，“我这个人太紧，从小如此”，所以这也造成他在作品中始终呈现的是一种严谨的数学几何的美感，随机的排列组合背后，材料本身所拥有的美感通过创作者的表现呈现出一种速度的美感。

有的艺术家找到了自己的点，便会一如既往的开始发挥，吴鼎提及了他2012年在外滩18号的一次展览，自从那次展览后，他渐渐明确了自己的方向，那场展览的作品同年的八月参加了中央美术学院CAFA未来展，吴鼎沉浸在自己的世界里，创作生活中，一直认为自己是一个冷静而感性的人，这种性格元素反映在自己的作品里，就是几何线条，数学中的逻辑与形式的美感。艺术家，总是在盯着生活中的一个存在的点，很难将视线移除。把钢笔厂楼道里堆积的盒子也会进入到自己的创作中，生活经验在创作中的痕迹在这位艺术家身上也略能体味一二。

序列的美感和光感的运用很巧的结合。吴鼎科班学的是的雕塑，仅凭着兴趣和对技术的迷恋，摄影和影像运用的如此娴熟实属不易。从摄影里寻找光感，在运用到自己的影像作品中，就像有一个摄影师所说，“没有光，照片就死了。”吴鼎把他对光的敏感与把握作为背景和框架运用到对数理几何的理解，在转折、爆破点上，光对作品整体的控制。扩大到最后，展域空间里，光与影像融为一体，每一件作品，相互之间有关系，共同呈现出一个整体的空间场。

吴鼎说，“无限的接近有限”。无限的接近于某个温度的空间场希望呈现出作品背后的场。两个场同时存在，而一个可见，另一个只能感知。内在秩序的表现形式很多，有节奏、数、字、符号、人类试图创造出来又得以生存美化的隐形的特质太多。而吴鼎选择了一种冰冷感性紧凑又流畅的线性的几何美感。

他理解胡塞尔的“超验现象主义”外部世界的真假是不能确定的，要从纯粹的体验来描述我们的思路。“内在体验”，外部世界要悬置起来。第一人称的反省活动，也就是体验自己的体验。也许有人会质疑，艺术家自始至终所坚信的所谓的“内在秩序”是否真正存在，或者艺术家本人被自己的“内在秩序”迷惑，只是一种狂热盲目的坚信，就像宗教里的迷狂。其实吴鼎，也一直在思考这个问题，也通过作品的方式在探讨这个问题，《实在的维度》这个项目就一直持续在做。他告诉我们，目前在做以后有可能将要展出的一件作品，就是尝试提出这个问题《月亮在无人看时，它是否还在那儿》。

吴鼎喜欢电影，电影的长镜头和画面质感让他陶醉，这是一种有温度的视觉体验。现在把主要精力集中在自己的影像作品里，虽然并非科班出身，但是因为对技术的钟爱，他还是选择不断的在这条路上探索下去。“技术特别重要，做影像没有技术根本做不了，但是想法更重要，技术和想法并重，只是度的把握”。