“I try to apply colors like words that shape poems, like notes that shape music.”

“我试图像塑造诗句那样运用色彩，像塑造音符那样创作音乐。

 

“For me, an object is alive. This cigarette or matchbox has a secret life much more intense than certain humans.”

“对我而言，一个物体是有生命的。这根香烟或火柴盒比某些人类拥有更加鲜活的秘密生活。”

 

“A simple line painted with a brush can lead to freedom and happiness.”

“用画笔画出的简单线条可以通向自由与快乐。”

 

— Joan Miró

 

胡安·米罗（Joan Miró，1893年4月20日—1983年12月25日）是20世纪最具影响力的西班牙加泰罗尼亚画家、雕塑家、陶艺家和版画家之一。他以独特的个人风格和对现代艺术的卓越贡献而闻名，与毕加索、达利并称为西班牙现代艺术的三大巨匠。

 

米罗出生于西班牙巴塞罗那的一个手工艺家庭，父亲是金匠和钟表匠，母亲来自细木匠家庭。这种家庭背景使他从小就接触到精细的手工艺和艺术氛围。14岁时，米罗进入巴塞罗那的圣卢克艺术学院（St. Luke Art Academy）学习，接受了正规的艺术教育。然而，父亲希望他从事商业工作，米罗曾短暂地在商业领域工作，但因健康问题和对艺术的热爱，最终全身心投入艺术创作。

 

风格与发展

在巴黎，在诗人和作家的影响下，他发展了他独特的风格：有机形式和用锐利的线条绘制的扁平画平面。米罗的风格在不同程度上受到超现实主义和达达主义的影响，因为他对自动主义和性符号的使用（例如，带有波浪线条的卵形）感兴趣，因此通常被认为是超现实主义者，然而，在战间期的欧洲，他拒绝加入任何艺术运动。André Breton将他描述为“我们所有人中最超现实主义的人”。米罗承认在类似的情况下创作了他最著名的作品之一《哈勒金的狂欢节》：

 

 

《哈勒金的狂欢节》（Carnaval de Arlequín，1924-1925）

画布油画

60 x 90.5厘米

水牛城的奥尔布赖特-诺克斯美术馆

 

这是一幅庆祝的画；所有角色似乎都很开心，因为他们在玩耍、唱歌和跳舞。画中的一些物体是拟人化的，有些似乎也在移动和跳舞。一个例子是这幅画左边的梯子，根据米罗的说法，梯子是飞行、逃避和提升的象征。画中右侧的绿色球体代表着地球，因为米罗痴迷于“征服世界”的想法。画右下角的猫代表了真正的猫，当他画画时，它总是在他旁边。右上角窗口中的黑色三角形代表埃菲尔铁塔。这幅画包括许多其他幻想和神奇的元素，如美人鱼、水中的鱼、跳舞的猫、流星、一个像骰子一样的盒子里有翅膀的生物、漂浮的音符和漂浮的手。有许多奇怪的形状和蹿萐的形状，似乎在画布周围移动或漂浮。

“我是怎么想出我的画和绘画想法的？好吧，我晚上会回家，去位于布洛梅街的巴黎工作室，我会上床睡觉，有时我没有吃晚饭。我看到了一些东西，并把它们记在笔记本上。我看到了天花板上的形状...... ”

米罗的超现实主义起源源于“压抑”，就像所有西班牙超现实主义和魔幻现实主义作品一样，特别是因为他的加泰罗尼亚族裔受到佛朗哥政权的特别迫害。他借鉴了加泰罗尼亚民间艺术，如siurells，他声称“不断观察”。此外，米罗在流亡前的旅行中非常了解海地伏都教艺术和古巴桑特里亚宗教。这导致了他标志性的艺术创作风格。

 

早期野兽派

他早期的现代主义作品包括文森特·努比奥拉肖像（1917年）、西拉纳（小路）、南北（1917年）和托莱多绘画。这些作品展示了塞尚的影响，与他后来的大多数作品的硬边风格相比，画布充满了五颜六色的表面和更像绘画的处理。在Nord-Sud，这个名字的文学报纸出现在静物中，这是立体主义作品中常见的构图装置，但也提到了画家的文学和前卫兴趣。

 

 

《文森特·努比奥拉肖像》（Retrat de Vicenç Nubiola，1917）

画布油画

104 x 113厘米

埃森民俗博物馆

这是米罗早期的著名作品之一，当时他尝试了立方主义和野兽派的混合体。几位作者评论说，这部作品可能受到梵高风格的影响（米罗一直钦佩他）。这幅画描绘了努比奥拉坐在一张桌子旁边的椅子上，桌子上有水果、一个porró（典型的加泰罗尼亚葡萄酒容器，可以直接在没有玻璃杯的情况下饮用）和一个盆栽。人物背后的平面背景装饰着三角形和弧线。Nubiola开领衬衫的红色表明了他的政治激进主义；米罗在后来的自画像中画着自己穿着一件相同的衬衫。

 

 

《Siurana，小路》（Siurana, el camí，1917）

画布油画

60.6 x 73.3厘米

索菲亚王后博物馆

 

《Siurana, el camí》来自1907年至1918年米罗的职业生涯时期，通常被认为是艺术家的形成时期，当时他经常光顾巴塞罗那的Llotja和Francisco Galí艺术学院，并有机会在1912年在Dalmau画廊等展览中看到最前卫的造型艺术。到1916年，米罗正在绘制Montroig、Cambrils、Siurana和Prades村庄的风景，直到1918年，米罗的作品都是他自己所说的Fauve（野兽派），因为它的颜色很大胆。Siurana, el camí属于画家作品的这一时期，是他的关键作品之一。如前所述，这幅油画结合了野兽派的痕迹、保罗·塞尚的影响和立方主义的教训，所有这些都表明了艺术家对自己个人绘画语言的探索。

 

魔幻现实主义

从1920年开始，米罗发展了一种非常精确的风格，在孤立和细节中挑选出每个元素，并以深思熟虑的构图排列它们。这些作品，包括《棕榈树之家》（1918年）、《带镜子的裸体》（1919年）、《马、烟斗和红花》（1920年）和《桌子-兔子静物》（1920年），显示了立方主义的明显影响，尽管以一种克制的方式，但只适用于部分主题。例如，《农民的妻子》（1922-23）是现实的，但有些部分是风格化或变形的，例如对女性脚的处理，这些脚被放大和压平。

 

 

《棕榈树之家》（La casa de la palmera，1918）

画布油画

65 x 73厘米

索菲亚王后国家艺术中心博物馆

米罗在1916年至1918年间寻找新的丙烯酸解决方案，导致创建了四个“细节主义”景观，所有这些都于1918年夏天在蒙特罗伊完成。这些作品——反过来又导致了1922年的著名作品《农场》——在米罗风格的演变中不可否认地重要，这表明他之前的作品发生了重大变化。这四件关键作品之一是La casa de la palmera（棕榈树之家），其中米罗对景观的处理非常逼真和描述性，以至于它实际上被描述为“物体的登记”。这种类型的作品，艺术家一直发展到1922年，有一种有点单色、天真的感觉。La casa de la palmera的绘画是这位加泰罗尼亚画家的第一个重大创作里程碑，他将从1923年至1924年起开始创作更明显地接近超现实主义的作品。

 

 

 

《带镜子的裸体》（Nu au miroir，1919）

画布油画

113 x 102厘米

私人收藏

在艺术品中，描绘了一个裸体女性形象，坐在由暖色调平面组成的背景下，特别是以鲜明的红色隔断为主。她右手握着一面镜子，她似乎在看镜子，尽管她的目光似乎从她的倒影中移开，给人一种沉思的表情。人物的形状以立方主义影响的简化特征进行了风格化，使用几何形状和克制的调色板来构建身体和周围特征。米罗对主题的处理在抽象和表现的细微线上平衡，将人形与简化的、近乎图形的品质融合在一起，允许超越纯粹的视觉表现的解释，并发挥了人物与她自己反思的参与的模糊性。

 

 

 

《马、烟斗和红花》（Cavall, pipa i flor vermella，1920）

画布油画

82.6 x 74.9厘米

费城艺术博物馆

马、烟斗和红花是艺术界必不可少的作品，因为它在当时具有原创性的艺术价值。它被认为是米罗最早的超现实主义作品之一，突出了他受前卫美学影响的静物画方法。这篇文章提供了对这一时期使用技术的现代艺术演变的见解，同时展示了米罗独特的创新愿景。这件艺术品还展示了来自立比斯教和原始洞穴壁画的影响，以及米罗自己的个人风格和加泰罗尼亚地区历史。这些影响的结合产生了一个高度细致的作品，在形式上发挥了视角和深度。在整个艺术品中，可以看到大胆的线条和形状。

 

 

 

《农夫的妻子》（The Farmer’s Wife，1922-23）

画布油画

81 x 65厘米

私人收藏

《农夫的妻子》完成于1922年至1923年间。这种类型的绘画是在画布上用油画完成的，属于立体主义艺术运动，这件作品展示了独特的平坦度和碎片化的几何形状，通常与立方主义相关联，与明亮但有限的调色板和引人入胜的图案相互作用，形成了一个和谐而耐人寻味的表现形式，概括了米罗在立方主义框架内富有想象力的探索。

 

这种风格的高潮是《农场》（1921-22）。它描绘的加泰罗尼亚农村场景被中央的一份前卫的法国报纸所增强，这表明米罗看到这部作品因他在巴黎接触的现代主义理论而发生了变化。对每个元素的集中同样重要，是为每个元素生成图画符号的关键一步。背景是平的，或者在简单的区域有图案，突出了人物和地面的分离，这在他成熟的风格中变得很重要。

米罗多次尝试推广这项工作，但他的超现实主义同事发现它过于现实，显然是常规的，因此他很快就转向了更明确的超现实主义方法。

 

 

《农场》（The Farm，1921-22）

画布油画

48.7 x 55.6厘米

华盛顿特区国家美术馆

《农场》是米罗1921年夏天在Mont-roig del Camp到1922年冬天在巴黎创作的一幅油画，被视为“细节主义”时期的高潮作品。米罗将其描述为“我在农村的整个生活的总结”和“我工作时期的总结，也是后续工作的起点”。玛丽·海明威将此作品描述为：“它包含了你在那里时对西班牙的所有感受，以及你离开而不能去那里时的所有感受。没有人能够描绘这两种截然不同的东西。”美国评论家Arthur Danto称这部作品为“米罗的高潮杰作”。

 

早期的超现实主义

1922年，米罗在至少一幅画中探索了抽象的、色彩强烈的超现实主义。从1923年夏天开始，米罗在Mont-roig开始创作了一套关键的绘画，其中以抽象的绘画标志为主，而不是以《农场》中使用的现实主义表现形式为主。在《耕种田地》、《加泰罗尼亚风景》（猎人）和《牧歌》（1923-24）中，这些扁平的形状和线条（大部分是黑色或颜色强烈的）暗示了主题，有时相当神秘。对于加泰罗尼亚风景（猎人），米罗用符号组合来代表猎人：头部是三角形，胡子是曲线，身体是棱角线。这项工作被编码了，以至于后来，米罗对所使用的符号进行了精确的解释。

 

 

《耕种田地》（The Tilled Field，1923-24）

画布油画

66 x 92.7厘米

古根海姆博物馆。

1923年夏天，琼·米罗开始画《耕种田地》，这是他家在加泰罗尼亚蒙特罗伊的农场的风景。虽然在主题上与他早期的准现实主义、野兽派色彩的乡村观点有关，如《普拉德斯》、《村庄》，但这幅画是米罗超现实主义愿景的第一个例子。它对人类、动物和植物形态的奇妙并列及其一系列模式化的生物构成了一个只有心灵之眼可见的领域，并揭示了米罗的广泛想象力。在创作这幅画时，他写道：“我设法逃到了大自然的绝对。”因此，The Tilled Field是一个诗意的隐喻，表达了米罗对祖国的田园诗般的概念。米罗对The Tilled Field的充满活力的描写也有政治内容。这三面旗帜——法国、加泰罗尼亚和西班牙——指加泰罗尼亚试图脱离西班牙中央政府。

 

 

 

《猎人（加泰罗尼亚风景）》（The Hunter (Catalan Landscape)，1923-24）

画布油画

64.8 x 100.3厘米

MoMA

《猎人》（加泰罗尼亚风景）可能看起来很抽象，但仔细观察，可以看到风景中充满了丰富的人类和动物人物以及自然形态，这些人物共同构成了艺术家生活的意象。猎人站在构图的左侧，有一个棍子人物的身体和一个三角形的头。一根管子在他长得长的胡子的右边伸出来，他的心在胸前漂浮着。他一只手拿着一只刚被杀的兔子，另一只手拿着一把枪，枪还在被杀。这个猎人形象是米罗的替身，它出现在他的许多其他作品中。加泰罗尼亚是一个政治自治区，靠近西班牙与法国边境，拥有自己的议会、语言、历史和文化。一个多世纪以来，加泰罗尼亚民族主义一直是争论的话题。也许暗示了这段有争议的历史，米罗描绘了背景中的法国、加泰罗尼亚和西班牙国旗。

 

 

 

《牧歌》（Pastorale，1923-24）

黑色粉笔和画布上的油画

60 x 92厘米

索菲亚王后国家艺术中心博物馆

从1923年到1924年，米罗摆脱了所谓的“细节阶段”的精确性，从根本上改变他产出的方向，将其推向达达主义和超现实主义的提议。他新的绘画方法带来的创造性自由导致他尝试了一种新语言，其起点是最真实的超现实主义程序，即自动主义。标志溶解在想象空间中，达到触及抽象的程度，而漩涡、虚线和松散的笔触从稀疏覆盖的苍白背景中产生——这种背景构成了他当时所有画作的识别标志。以前可以识别的图像几乎完全消失了，让路于一种不同的表现形式，即从现在开始，表意文字言将识别米罗的作品。定义米罗成熟产出的元素——结构、形式、颜色、节奏——已经可以在本十年所做的工作中看到，正如Pastorale（牧歌）所显示的那样，这将对米罗的可塑性诗学的演变产生决定性影响。

 

超现实主义绘画语言

在整个20世纪20年代中期，米罗发展了绘画手语，这在他职业生涯的剩余时间里将是核心。在Harlequin's Carnival（1924-25）中，从The Tilled Field开始，这条线条线明显延续。但在随后的作品中，如《爱我的黑发女郎的幸福》（1925年）和《绘画（Fratellini）（1927年）》，前景人物少得多，剩下的人物被简化了。

不久之后，米罗也开始了他的西班牙舞者系列作品。这些简单的拼贴画，就像他画作的概念对立面。在《舞者的画像》（1928年）中，他把软木塞、羽毛和帽子别针放在一张白纸上。

 

 

《爱我的黑发女郎的幸福》（Bonheur d'aimer ma brune，1925）

布面油画

73 x 92厘米

私人收藏

《Bonheur d'aimer ma brune》是米罗在1925年夏天开始绘制的最初“oneiric”或“梦想”油画之一。这些作品是这位艺术家的第一个扩展主题绘画周期，他一直创作到1927年春天，共创作了一百多幅画。Miró——一位艺术家，将性、情色和爱情作为他整个职业生涯中作品的主要动力——在Peinture-poème中描绘了他最早的一对恋人之间互动场景之一。此外，这幅画布可能是米罗的第一幅作品，他在上面刻下了一首简短、简洁、简单的诗句，以唤起他“梦想”的心情或感觉，在目前的例子中，对恋爱的欣喜——“Bonheur d'aimer ma brune”（“爱我的棕色头发女孩的幸福”）。

 

 

 

《绘画（Fratellini）》（Painting (Fratellini)，1927）

画布上的油画和水介质

130.2 x 97.2厘米

费城艺术博物馆

这幅画是对Fratellini兄弟的滑稽和怪诞表演的诙谐致敬，Fratellini兄弟是杂技马戏团小丑，米罗在20世纪20年代在巴黎表演过。无形的形状和鲜艳的色彩反映了小丑们的化妆脸庞，并与他同年绘制的大部分原始画布的极简图像形成鲜明对比。这三部作品都以几乎无法辨認的图案为特色，这些图案来自身体和自然。

 

 

 

《绘画（Fratellini）》（Painting (Fratellini)，1927）

画布上的油画和水介质

130.2 x 97.2厘米

费城艺术博物馆

这幅画是对Fratellini兄弟的滑稽和怪诞表演的诙谐致敬，Fratellini兄弟是杂技马戏团小丑，米罗在20世纪20年代在巴黎表演过。无形的形状和鲜艳的色彩反映了小丑们的化妆脸庞，并与他同年绘制的大部分原始画布的极简图像形成鲜明对比。这三部作品都以几乎无法辨認的图案为特色，这些图案来自身体和自然。

 

艺术创作特色

米罗的艺术创作以高度个性化和象征性著称。他的作品体现了丰富的想象力、自由的形式以及对自然和宇宙的探索，以下是其主要特色的详细分析：

形象与符号的抽象化

米罗通过符号化的语言，将现实中的人物、动物、星辰等元素转化为简洁而生动的形象。例如，他常使用象征性的圆形、线条和几何图形来表达抽象的概念。这种简化的表现形式增强了作品的象征性，同时赋予了观众更多的解读空间。

《哈里昆的狂欢》（1924-1925年）：画中的每个元素都可以被看作一种符号，表达米罗对梦境和无意识的兴趣。

《星座》系列（1940-1941年）：以线条和点为核心元素，描绘了他对宇宙秩序的思考。

 

 

《绘画（Fratellini）》（Painting (Fratellini)，1927）

画布上的油画和水介质

130.2 x 97.2厘米

费城艺术博物馆

这幅画是对Fratellini兄弟的滑稽和怪诞表演的诙谐致敬，Fratellini兄弟是杂技马戏团小丑，米罗在20世纪20年代在巴黎表演过。无形的形状和鲜艳的色彩反映了小丑们的化妆脸庞，并与他同年绘制的大部分原始画布的极简图像形成鲜明对比。这三部作品都以几乎无法辨認的图案为特色，这些图案来自身体和自然。

 

色彩的大胆运用

米罗的作品以明亮的原色为主，如红、黄、蓝、绿和黑，展现了其对色彩的独特理解。他使用色彩的方式既具有装饰性，也传递了情感和能量。

《蓝色I、II、III》（1961年）：这幅作品运用了深蓝色的背景，与简单的几何形状形成对比，营造出神秘和诗意的氛围。

《红色的太阳与女人》（1950年）：明快的红色太阳展现了生命力和热情。

 

 

 

 

 

 

《蓝色 I、II、III》（Triptych Bleu I, II, III，1961）

布面油画

270 x 355厘米

私人收藏

1961年，米罗开始进一步净化他早期发现的深化。Blue I、II、III预示着这一发展。最重要的是，它反映了艺术家在创作和着色他的画作时获得的最高信心。风格是无可置之可的。米罗正在玩代码，这些代码以独特的简单方式描述物体的运动。这三幅蓝色画必须被视为一幅画。单独来看，他们身上似乎没有什么事情发生。在不同色调的蓝色表面的柔和表面上，米罗分布了非常少的精确符号——具有锐利或模糊轮廓的黑点，在图片中对角线漂移的细线，最后是一些尖锐的红色对比，部分是模糊的斑点，部分是坚固的光束。然而，这几个符号足以使蓝色空间脉动和振动，将其变成深不可测的深度，使观众的目光四处游荡，最终被蓝色表面的力量完全吸收。

 

对无意识和梦境的探索

受到超现实主义的影响，米罗的许多作品试图捕捉无意识的流动和梦境的视觉化。他采用自动主义的创作方法，尽量让自己的手随意识自由流动，以反映深层的潜意识。

《女人、鸟和星星》（1942年）：画中的元素像是从梦境中抽取的碎片，充满了神秘感。

《月夜中的狗》（1926年）：描绘了一个孤独的狗与月亮互动的超现实场景，象征了人与自然的联系。

 

 

《月夜中的狗》（Dog Barking at the Moon，1926）

布面油画

73 x 92.1厘米

费城艺术博物馆

一个非常简洁的处理方式使艺术家在西班牙家乡的家庭农场的这种环境显得神秘和想象。米罗为这部作品的准备草图有一个额外的古怪维度：狗的“鞠躬哇”用上升的文字写出来，月亮用卡通风格的文本气球回答“你知道，我不在乎”。随后，他划掉了这幅画中的单词，然后将它们从这幅画中排除。

 

自然与故乡文化的灵感

米罗的许多作品汲取了加泰罗尼亚的文化传统和自然景观，他将这些元素转化为具有普遍意义的符号，传递了对故乡的深厚情感。

《加泰罗尼亚农民的头》（1925年）：通过简化的几何形象表现农民的精神面貌。

《土地》（1922年）：描绘了他对家乡土地的热爱，强调人与自然的和谐。

 

 

《加泰罗尼亚农民的头》（Head of a Catalan Peasant，1925）

布面油画

92.4 x 73厘米

华盛顿国家美术馆

《加泰罗尼亚农民的头》米罗在20世纪20年代中期最重要的作品之一。它融合了1923年至193年间他大部分作品的明确加泰罗尼亚意象，以及他在超现实主义团体的影响下在巴黎发展起来的“自动”风格。米罗开始工作时用白色地面画他的画布。然后，他用非常薄的、几乎半透明的蓝色油漆与松节油混合。这创造了一个通风的空间，与半具象图像的图形质量形成鲜明对比。长期以来，人们一直认为这首作品是在梦幻般的状态下绘制的，仿佛从米罗的无意识中自发地绘制出来。这个神话得到了米罗本人的支持，他描述了“在1925年，我几乎完全从幻觉中汲取灵感”。

 

 

主要展览与重要事件

米罗的一生中举办了众多重要的展览，以下是其中一些具有代表性的展览和事件：

1921年巴黎个展：米罗在巴黎的首次个展，展出了《农场》等作品，开始在国际艺术界崭露头角。

1930年纽约个展：在纽约举办的个展，使他在美国艺术界获得了更广泛的关注。

1954年威尼斯双年展：米罗获得绘画大奖，进一步巩固了他在国际艺术界的地位。

1959年巴黎展览：展出了他的大型陶壁作品《太阳之壁》和《月亮之壁》，展示了他在公共艺术领域的探索。

1975年巴塞罗那米罗基金会成立：米罗在巴塞罗那成立了以自己名字命名的基金会，致力于推广当代艺术。

 

 

《南北》（Nord-Sud，1917）

画布油画

70 x 62厘米

私人收藏

《南北》是米罗在第一次世界大战期间在巴塞罗那画的一幅画。它对应于所谓的“加泰罗尼亚野兽派”时期的结束，大约从1910年到1917年。米罗受到了巴黎小鹿色彩的碰撞和立体主义严谨的影响。长期以来，这两个运动一直被认为是对立的，对米罗来说并不不相容，他在他的几个静物中进行一种融合。在一张用橙红色唤起的圆桌中间，放着折叠的《南北》报纸。左边是一个装饰着蓝色卷轴的水壶，下面是一系列不同颜色的同心圆。前面是一个梨，一条五颜六色的条纹鱼，一把剪刀和一本歌德的书，书名无法读，也许是故意的。右边画着一个鸟笼，上面有一条黑线。在绿色背景上，分隔桌面的弯曲的彩色条纹结合在一起，给人一种流畅的印象，缓和了暴力的对比和被黑色包围的物体。

 

胡安·米罗以其对潜意识的探索、对形式的简化以及对色彩的大胆运用，开创了一种全新的艺术语言。他的作品不仅丰富了超现实主义的内涵，还对抽象表现主义和公共艺术产生了深远影响。

通过绘画、雕塑、陶艺等多种媒介，米罗表达了对生命、自然和宇宙的深刻思考。他的艺术既是一种视觉享受，更是一种心灵的启迪，激发观众对世界的想象力和好奇心。

这位伟大的艺术家不仅为现代艺术注入了无限的活力，还通过他的创作理念提醒我们：艺术的真正价值在于自由、创造和人性的表达。

 

 

《桌子（兔子静物）》（The Table (Still Life with Rabbit，1920）

画布油画

130 x 110厘米

私人收藏

这件艺术品的特点是从上面看一张桌子，上面装饰着各种物品，有助于静物构图。中心焦点是一只兔子，以自然主义风格描绘，但融入了几何立体主义空间。在兔子旁边，有一只带有生动标记的鸡，呈现出一定程度的现实主义，但具有立体主义的典型风格。桌子上还有一个水壶、洋葱和西红柿等蔬菜，盘子里放着一条煮熟的鱼，周围是一条流苏布。空间和透视的使用反映了立体主义对现实的碎片化和重建的兴趣。桌子本身装饰着图案，倾斜的方式给人一种非常规的视角，而阴影和色调对比增强了二维平面内的三维感觉。调色板低调，以大地色调为主，伴随着物体和桌布提供的更明亮的口音。总的来说，米罗的作品展示了Cubism在这个时期对他风格的影响，因为他尝试了形式、视角和静物传统，为流派增添了他独特的转折。

 

 

“I want to reach the absolute abstraction. The most important thing is to express yourself.”

“我想达到绝对的抽象。最重要的是表达自我。”

 

“The works must be conceived with fire in the soul but executed with clinical coolness.”

“作品必须用灵魂的火焰构思，但以冷静的头脑执行。”

 

“I feel the need of attaining the maximum of intensity with the minimum of means.”

“我感到需要以最少的手段达到最强烈的效果。”

 

— Joan Miró

 

 

 

 

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